‘파스칼’은 “일생에 가장 중요한 것은 직업의 선택이다. 그런데 그것을 좌우하는 것은 우연이다.”라고 했다. 


미술계에서도 잘 나가던 직업을 버리고 화가의 길로 들어선 인물이 있다. 1866년 러시아 태생으로 모스크바 대학교에서 경제학과 법학을 전공한 법학자였던 그는 한 미술전시회에 참석한 후 자신의 직업을 바꾸었다. 


20세기의 대표적인 미술이론가이며, 추상화의 아버지라 불리는 ‘칸딘스키’의 이야기다. 


모네/건초더미, 해잘녘 /캔버스 유채/1891/시카고 예술재단


1896년 모스크바의 인상파 전시회에 참가한 칸딘스키는 어느 작품 앞에서 발을 떼지 못했다.


이제껏 보았던 사실적인 형체가 아닌 시간과 빛의 변화에 따라 물체의 색을 순식간에 표현한 모네의 연작들을 보고 크게 감동했다. 그러나 한편으로는 이 그림이 무엇을 그린 것인지 알 수가 없다는 것에 분노의 마음도 일었다. 


“자연의 법칙과 조화 속에 그림을 그리고 생활하는 것 이외에는 다른 운명을 갈망하지 않는다”는 모네가 그린 작품은 들판에 쌓아둔 ‘건초더미’였다. 이 그림의 주제는 나중에 작품 목록을 통해서 알게 되었다. 이 일은 칸딘스키의 기억 속에 충격으로 오랫동안 남아 그의 마음을 흔들었다. 


그 후 그는 1896년 모스크바 대학교 교수직을 반납하고 독일의 아즈베 미술학교, 뮌헨 왕립 미술학교에서 전문적인 미술수업을 받았다. 그는 당시 활동했던 화가들의 화풍을 두루 익히고 청기사파의 창시자가 되었으며, 독일 바우하우스의 교수로 재직하였다. 


그는 사물을 보이는 대로 재현하는 대신 이미지를 추상화했고 1910년 최초의 추상화를 발표하게 되면서 추상화의 선구자, 예술 이론가로 20C 주요 예술가로 불리게 되었다. 



잘 나가는 직업을 어떻게 쉽게 바꿀 수 있었을까?


칸딘스키는 그의 회고록에서 모네의 작품을 통해 잠자고 있던 그림에 대한 욕망이 자신에게 숨어 있었다는 것을 깨달았다고 말했다. 


칸딘스키/구성8/ 1923년/캔버스에 유채/140X201cm/미국 구겐하임 미술관


칸딘스키는 ‘구성 8’에서 “색채 중 색조는 음색, 색상은 가락, 채도는 음의 크기를 연상시킨다.”라며, 경쾌한 리듬은 굴곡이 큰 선으로, 조용한 리듬은 완만한 선으로 표현했다.


그는 악기마다 독특한 음색이 있는 것처럼 색채도 독특한 느낌을 나타내는 요소가 있다는 것을 끊임없는 연구를 통해 알아냈다. 


칸딘스키/인상 Ⅲ/ 1911년/캔버스에 유채/ 뮌헨시민미술관


'인상 Ⅲ'의 부제는 '콘서트'이다. 칸딘스키가 친구인 작곡가 ‘아르놀트 쇤베르크’의 콘서트에 다녀온 후 그린 작품이다. 쇤베르크는 현대 음악의 거장으로 서양 고전음악의 전통을 파괴하고, 무조(無調) 음악을 창시한 작곡가다. 


자신의 작품을 음악이라고 한 칸딘스키는 회화에서도 음악처럼 선과 색으로 사람의 마음을 감동하게 할 수 있다고 믿었다. 이 작품에서 그는 콘서트에서 들었던 곡을 노란색으로 표현하였다. 


칸딘스키가 44세가 되었을 때 외출에서 작업실로 돌아온 그의 시선을 끈 작품이 있었다. 해 질 녘 내부에서 뿜어 나오는 빛으로 가득한, 색채와 형상이 조화롭게 표현된 이 작품에서 형체가 아닌 색채만으로도 감정이 전달된다는 것을 느꼈다. 이를 통해 물질적인 묘사에서 벗어나 내면세계를 표현하는 것이 중요하다는 놀라운 경험을 하게 된다. 


거꾸로 보게 된 작품이었는데, 이것은 좀 전에 그렸던 자신의 그림이었다. 똑바로 놓인 그림보다 더 아름답다는 사실에 충격을 받은 칸딘스키는 이 대단한 발견을 시작으로 점, 선, 면, 색채의 단순화 과정을 거쳐 기하학적인 추상화를 완성했고 20세기 미술사의 혁명을 이루었다. 


칸딘스키/무제/1910/수채화/ 파리 퐁피두국립현대미술관


칸딘스키는 자신들의 미술이 정신적으로 이끌 것이라고 믿고, 끊임없는 노력으로 추상미술을 진행했지만, 관객들은 난해함에 힘들어할 때가 있다. 현대미술이 불친절하다고 말하기도 한다.


알아보기 힘들었던 모네의 그림에 충격을 받았던 칸딘스키는 일반인들이 추상미술이 어렵다고 투덜거리게 만든 순수 추상의 세계를 연 장본인이 된 것이다.


그는 모네의 작품에서 색과 형체들이 변화하는 것을 집중해서 보았고, 그러한 것들이 잠재된 자신의 예술적 능력으로 밝혀내기를 간절히 바랐고 모든 노력을 아끼지 않았다. 


‘운명이 카드를 섞고 우리가 승부를 겨룬다’는 쇼펜하우어의 말처럼 칸딘스키가 운명을 선택한 후 그 승부에 열정을 다함으로써 우리는 그의 훌륭한 작품들을 오래도록 볼 수 있게 된 것이다. 


이제는 우리가 작가와 작품에 대한 이해와 좀 더 관심 어린 눈을 가지고 열린 마음으로 바라보아야 한다. 



예술을 창작하는 근본적인 목적은 대상의 외형을 포착하는 것이 아니고

그 형태에 내재된 정신을 시각적으로 옮기는 것이다.


"예술가란 자연의 형태를 빌어서 표현한 내적 감정에

자신들의 목적을 실현하고 정신을 키우는 것이다" 

-칸딘스키- 




Posted by 국민건강보험공단

 

  

국립중앙박물관 기획전시실에서열리고 있는 [오르세 미술관전 - 근대 도시 파리의 삶과 예술 : 인상주의, 그 빛을 넘어] 전시회에 다녀왔어요. 이번전시는 세계 10대 미술관중 하나인 프랑스의 오르세 미술관에 있는 작품 170여점이 전시되는 대규모 전시였답니다.   멋진 19세기 파리의 화려함과 낭만 속으로 여행을 떠나볼까요?

 

 

 

 

맑고 화창한 오월, 전시장인 국립중앙박물관 앞 호수는 또 다른 평화로움과 일상의 소소한 기쁨을 선물합니다.

 

 

 

전시장 안으로 들어가기 전 계단의 탐스런 양귀비꽃

 

 

 

 

 

전시장 입구의 안내그림!

 

 

 

 

전시장 입구의  모네의 '양산을 쓴 여인'입니다. 하늘빛을 닮은 흩날리는 드레스자락과 스카프가 환상적인 느낌을 자아내내요.

  이번 전시에서 놓지지 말아야할 관람 포인트 세가지!!

 

첫째, 유난히 아름다운 여인들을 많이 볼 수 있었어요.

 

 

전시장을 들어서자마자 마주친 '앙리 베르제' 발테스 드 라 빈뉴 부인(위사진왼쪽)의 초상화는 한동안 붙박힌 듯, 눈을 뗄 수 없을 만큼 아름다웠지요그 후 계속되는  젋고 아름다운 여인들,(위사진 오른쪽은 '존 싱어 사전트'카르멘 시타) 의 환상적인 전신초상화를 통해 순간적인 생의 찬란함과 눈부신 아름다움 속으로 빠져들게 됩니다. 위의 두사진이외에도 죠반니 볼디니의 샤를 막스부인, 포르티 후작부인 ​등 입이 다물어지지않을 정도인 당시 파리 미인들의 작품에 온 맘을 빼았기는 시간이 이어졌어요...

 

 

 

쉬고 있는 두명의 발레리나들(에드가 드가)  노르웨이식 나룻배(클로드 모네)

 

특히 모네는 빛과 대기의 미묘한 변화속에 있는 자연의 한순간,힐끗쳐다본 것 같은 '인상'을 그려냈고, 모네와 인상주의자들은 새로운 방법으로 벨포크(아름다운시절이라는뜻)라 불리우는 낭만,사랑,예술의 도시 파리의 이미지를 만들어냈다고 합니다. 아름다운 여인뿐아니라 그 당시의 삶을 엿볼 수 있는 약간은 화려하고 사치스런 삶을 여러종류의 초상화를 통해 표현했습니다.

 

둘째, 근대도시 파리의 변화를 볼 수 있어요.

 

 

 

 

1889년 만국박람회 당시 조명을 밝힌 에펠탑(조르쥬 가랑) 런던, 안개속 햇살이 비치는 의회당(클로드 모네)

 

인상파와 후기인상파들인 조반니,모네,르느와르,고흐,고갱,알리 루소,로트렉등의 그림을 통해 19세기 '수도중의 수도'로 거듭나는 그 당시 파리가 비슷한 시기에 완공된 에펠탑과 함께 근대도시로 거듭나는 사회변화과정을 폭넓게 보여주는 전시였습니다.

 

1880~90년대에 축조된 파리의 여러건물들과 프랑스혁명 100주년을 기념하여 1889년에 완공된 에펠탑의 모습을 그림과 사진,영상등으로 다채롭게 감상 할 수 있었어요에펠탑은 근대의 물질문명을 상징하는 건물로서 그 당시의 작가들에게 많은 영감을 주기도 했다고해요.

 

셋째, 다양함을 포괄하는 문화사적인 전시였어요.

 

이번 전시는 회화뿐만 아니라 조각,공예,영화에 이르는 다양한 종류의 작품 175점을 통해 19세기말에서 20

기초까지 이어지는 근대형성기의 도시 파리의 사회,문화를 막라해서 인접예술과 문화사까지 한 눈에 볼 수있는 좋은 기회였습니다.

 

 

 

 

무용복을 입은 발레리나를 위한 습작(드가)  국화문양의 빗(루시앙 갈리아르)

 

위의 작품에서 보듯 조각과 사진, 그 당시 여인들의 장식품인 머리핀과  빗등 19세기 프랑스사회의 속살을 볼 수 있었습니다.

 

기에 미술사적으로도 중요한 폴 세잔의 생트 빅투아르산,고흐의 시인 외젠 보흐,앙리 루소의 뱀을 부리는 여인등의 작품도 볼 수 있어서 좋았습니다. 아래 폴 세잔의 생트 빅투와르산은 세잔이 같은 풍경을 40회도 넘게 그렸고,이 작품이 피카소의 입체파에 큰영향을 준 그림이라 회화적인 가치가 크다는 도슨트의 설명을 들으니 아!하고 고개가 끄덕여집니다.

 

 

 

 

오르세 미술관장인 기 코주발에 의하면 오르세 미술관소장 작품은 주로 1848년부터 1914년작품이 핵심이지만 이 시기를 넘어서서 19세기말의 작품을 포괄적으로 다룬다고 해요. 또 이번 전시는 오르세 미술관 역사상 최대의 작품을 개방했다고 합니다

 

전시회는 소개된 작품의 수와 종류가 많을 뿐 아니라  구성과 전시에 있어서 마치 1880년대의 파리속으로 들어가는 듯이 생동감있고, 입체적으로 정성껏 꾸며진 점이 높은 점수를 주고 싶네요아주 흥미로운 전시였습니다.

 

개인적으로는 빛의 화가인 인상파의 대표주자 클로드 모네와 르느와르,드가의 아름다운 원작을 감상할 수 있어서 행복한 시간이었어요. ^^

 

친구, 애인, 가족과 함께 19세기 파리로 풍덩 빠져보심이 어떨까요?

 

전시기간 : 2014.5.3. ~ 8.31까지!

 

 

 

 

 

지하철 이촌역 2번 출구로 나와 용산가족공원 방향으로 전방 150m에 위치

지하철역 :  4호선(이촌 중앙선(이촌)

버스노선 :

  

 

 

 

  

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